Ausstellung

03 Mai 2018 - 19:00
Donnerstag 3. Mai 2018 - 19:00
Vernissage
Beschreibung: 

Poesie und Chaos entladen sich bei Mona Arnold in ausschweifend
lebendigen Naturdarstellungen. Vielfalt im Ausdruck – seine Themen
führten entlang des Lebens – zeigt auch Tonyl. Dazu präsentiert der junge Glaskünstlers Stefan Imoberdorf in der der Satellitenausstellung „&mehr“ Varianten in Glas. 

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06 Mai 2018 - 14:00
Sonntag 6. Mai 2018 - 14:00
Sonderführung. 14.15: Reformation. 15.00: Gemäldezyklus «Lauf der Dinge»
Beschreibung: 

DURCHS SCHLOSS SCHLENDERN
Am 1. Sonntag im Monat ist das Schlossmuseum Beromünster für Sie geöffnet.

In den Stuben verweilen, in die Küche schauen, die Druckerstube erkunden, die Hinterglasbilder bestaunen, die Bilder vom Lauf der Welt entziffern…
Es gibt viel zu schauen im Schloss! Nehmen Sie sich Zeit, gehen Sie auf eigene Faust durch das Haus. Oder ziehen Sie eine Führung vor? Wir freuen uns auf Ihren Besuch.

Sonntag, 6. Mai
14 – 16 Uhr
14.15, Führung zur Reformation /
15.00 Uhr, Führung zum Gemäldezykus «Lauf der Dinge»

Eintritt Franken 5.- / mit Führung Franken 10.-
 

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Nein
17 Mai 2018 bis 26 Mai 2018
Donnerstag 17. Mai 2018 - 18:00 bis Samstag 26. Mai 2018 - 18:00
«Point of Resonance». Ausstellung. Performancekunst
Beschreibung: 

Für die performative Ausstellungsintervention im Kunstpavillon Luzern folgen Timo Ullmann (*1987, lebt und arbeitet in Zürich und Aarau und Marco Baltisberger (*1987, lebt und arbeitet in Luzern) ihrem Gedankenexperiment, den Raum – und spezifisch den Raum im und um den Kunstpavillon – als interaktives Speichermedium zu denken. Vor Ort entwickeln sie während mehrerer Wochen akustische und visuelle Interventionen und verweben diese zu einer ortsspezifischen, raumgreifenden Komposition. Die auditive Ebene wird via Smartphone-Applikation erlebbar, welche die Besucher*innen im Raum verortet und die Klänge über Kopfhörer abspielt. Auf einem konzentrisch angelegten Weg werden die Besucher*innen – ähnlich der Nadel auf einem Plattenspieler – um den Pavillon, durch die Ausstellungsräume und durch virtuelle Sphären geleitet. So trägt die audiovisuelle Komposition zu einem Raumerlebnis bei, in dem sich Verschiebungen in der Wahrnehmung von Raum und Zeit abspielen können und eine Erweiterung des physischen in den virtuellen Raum entsteht. Das von den Künstlern entworfene Koordinatennetz ihrer Komposition wird durch die Bewegung der Besucher*innen physisch nachgezeichnet und gerät vielleicht gar ab und zu aus den Fugen.

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Verknüpfte Veranstaltungen: 
Marco Baltisberger & Timo Ullmann
Marco Baltisberger & Timo Ullmann
Hörenswert
Marco Baltisberger & Timo Ullmann
Nur online: 
Nein
17 Mai 2018 - 18:00
Donnerstag 17. Mai 2018 - 18:00
Vernissage
Beschreibung: 

Für die performative Ausstellungsintervention im Kunstpavillon Luzern folgen Timo Ullmann (*1987, lebt und arbeitet in Zürich und Aarau und Marco Baltisberger (*1987, lebt und arbeitet in Luzern) ihrem Gedankenexperiment, den Raum – und spezifisch den Raum im und um den Kunstpavillon – als interaktives Speichermedium zu denken. Vor Ort entwickeln sie während mehrerer Wochen akustische und visuelle Interventionen und verweben diese zu einer ortsspezifischen, raumgreifenden Komposition. Die auditive Ebene wird via Smartphone-Applikation erlebbar, welche die Besucher*innen im Raum verortet und die Klänge über Kopfhörer abspielt. Auf einem konzentrisch angelegten Weg werden die Besucher*innen – ähnlich der Nadel auf einem Plattenspieler – um den Pavillon, durch die Ausstellungsräume und durch virtuelle Sphären geleitet. So trägt die audiovisuelle Komposition zu einem Raumerlebnis bei, in dem sich Verschiebungen in der Wahrnehmung von Raum und Zeit abspielen können und eine Erweiterung des physischen in den virtuellen Raum entsteht. Das von den Künstlern entworfene Koordinatennetz ihrer Komposition wird durch die Bewegung der Besucher*innen physisch nachgezeichnet und gerät vielleicht gar ab und zu aus den Fugen.

Kategorie: 
Nur online: 
Nein
26 Apr 2018 bis 03 Aug 2018
Donnerstag 26. April 2018 - 17:30 bis Freitag 3. August 2018 - 17:00
«BO (Waves)». Einzelausstellung. Malerei
Beschreibung: 

The walls are covered with water. Waves lap at the canvas edges. Sometimes, sunlight and the sky reflect
off the swelling water as it crests and shimmers. Sometimes, the surface swirls warmly in pinks, reds and
yellows; others its blues reflect back glimpses of undefinable color-flecked scenes. Sometimes, it is
morose, the green tone threatening and cold. We know this, this way of reading color and context,
because we have learnt it. There is no ship on the horizon though, no horizon at all. There is no land, no
ship, no end. For all we know, the sea is infinitely wide, infinitely deep. It will consume us completely.
What is below the surface? Whom is she hiding?
Constantly in motion, the sea – often called “she” – is the immortal subject and impossible
metaphor. In Hokusai’s woodblock print, The Great Wave of Kanagawa, 1829 - 1833, she is a roiling Tsunami
seemingly on the cusp of engulfing Mount Fuji. In Caspar David-Friedrich’s Das Eismeer, 1823/1824, her
jagged, romantic beauty is tempered by the horror of the shipwreck. In Gerhard Richter’s Seascape, she
threatens memory itself: the perceptual reality of photography versus painting, the act of historical
recording, is questioned: is she reliable? All these visions are constructed, and like the sea itself, their very
making is also an act of effacement.
Nobel Peace Prize laureate, Liu Xiaobo, died last summer whilst in custody. His body was hastily
cremated, and his ashes dispersed at sea, apparently in an attempt by the government to prevent the
establishment of any permanent memorial to the writer’s passing. However, as film-maker Zeng Jinyan
noted, “Now, Liu Xiaobo is everywhere.”*
In this new series of paintings, Meng Huang pays tribute to his longtime friend, Liu Xiaobo. In
the first instance, Bōlàng (波浪) or ‘waves’ is a metaphor for the act of forgetting, in Liu’s case, officially
sanctioned. The movements of the sea are not so easily controlled though. In Meng’s paintings, the act of
erasure is simultaneously one of inscription: Meng is recording – witnessing – the movements of the
waves, making their momentary states somehow fixed and permanent, if not quite eternal.
The paintings also play another, subtler role though. In Chinese history and culture, poetry,
calligraphy and politics are intimately entwined – think of the Song dynasty emperor Huizong (1082-
1135), famed poet, painter and calligrapher, or Mao himself, both renowned poet and calligrapher. Writing
is thus the instrument of power, but it is also the means by which one speaks to power, as Liu Xiaobo did,
recording the lives of ordinary people. Meng Huang’s waves represent the effacement of memory but also
figure the act of writing in the Chinese tradition, using ink and water. Especially as exemplified in water
calligraphy – the practice of writing calligraphy in water on the ground – the permanence of the art
arises not from the inscription, which is inherently ephemeral (ultimately even for oil paintings) but its
ongoing practice by the calligrapher: the act of remembering through repetition.
In Meng’s paintings, the light source, while unseen, always comes from above, the top-center of
the paintings, casting its rays over the waters, coloring and highlighting the waves. In a sense too, they
are pure shān shuǐ (山水) or ‘water-mountain’-style paintings, idealized landscapes incorporating imaginary
mountain and river scenes, only here the mountain is obscured. His presence is felt though, he’s just
out of view. In fact, it is the mountain that defines the shape of the water, the peaks and valleys of the
waves.

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Verknüpfte Veranstaltungen: 
Meng Huang
Nur online: 
Nein
26 Apr 2018 - 17:30
Donnerstag 26. April 2018 - 17:30
Vernissage
Beschreibung: 

The walls are covered with water. Waves lap at the canvas edges. Sometimes, sunlight and the sky reflect
off the swelling water as it crests and shimmers. Sometimes, the surface swirls warmly in pinks, reds and
yellows; others its blues reflect back glimpses of undefinable color-flecked scenes. Sometimes, it is
morose, the green tone threatening and cold. We know this, this way of reading color and context,
because we have learnt it. There is no ship on the horizon though, no horizon at all. There is no land, no
ship, no end. For all we know, the sea is infinitely wide, infinitely deep. It will consume us completely.
What is below the surface? Whom is she hiding?
Constantly in motion, the sea – often called “she” – is the immortal subject and impossible
metaphor. In Hokusai’s woodblock print, The Great Wave of Kanagawa, 1829 - 1833, she is a roiling Tsunami
seemingly on the cusp of engulfing Mount Fuji. In Caspar David-Friedrich’s Das Eismeer, 1823/1824, her
jagged, romantic beauty is tempered by the horror of the shipwreck. In Gerhard Richter’s Seascape, she
threatens memory itself: the perceptual reality of photography versus painting, the act of historical
recording, is questioned: is she reliable? All these visions are constructed, and like the sea itself, their very
making is also an act of effacement.
Nobel Peace Prize laureate, Liu Xiaobo, died last summer whilst in custody. His body was hastily
cremated, and his ashes dispersed at sea, apparently in an attempt by the government to prevent the
establishment of any permanent memorial to the writer’s passing. However, as film-maker Zeng Jinyan
noted, “Now, Liu Xiaobo is everywhere.”*
In this new series of paintings, Meng Huang pays tribute to his longtime friend, Liu Xiaobo. In
the first instance, Bōlàng (波浪) or ‘waves’ is a metaphor for the act of forgetting, in Liu’s case, officially
sanctioned. The movements of the sea are not so easily controlled though. In Meng’s paintings, the act of
erasure is simultaneously one of inscription: Meng is recording – witnessing – the movements of the
waves, making their momentary states somehow fixed and permanent, if not quite eternal.
The paintings also play another, subtler role though. In Chinese history and culture, poetry,
calligraphy and politics are intimately entwined – think of the Song dynasty emperor Huizong (1082-
1135), famed poet, painter and calligrapher, or Mao himself, both renowned poet and calligrapher. Writing
is thus the instrument of power, but it is also the means by which one speaks to power, as Liu Xiaobo did,
recording the lives of ordinary people. Meng Huang’s waves represent the effacement of memory but also
figure the act of writing in the Chinese tradition, using ink and water. Especially as exemplified in water
calligraphy – the practice of writing calligraphy in water on the ground – the permanence of the art
arises not from the inscription, which is inherently ephemeral (ultimately even for oil paintings) but its
ongoing practice by the calligrapher: the act of remembering through repetition.
In Meng’s paintings, the light source, while unseen, always comes from above, the top-center of
the paintings, casting its rays over the waters, coloring and highlighting the waves. In a sense too, they
are pure shān shuǐ (山水) or ‘water-mountain’-style paintings, idealized landscapes incorporating imaginary
mountain and river scenes, only here the mountain is obscured. His presence is felt though, he’s just
out of view. In fact, it is the mountain that defines the shape of the water, the peaks and valleys of the
waves.

Kategorie: 
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04 Mai 2018 bis 01 Jul 2018
Freitag 4. Mai 2018 - 19:00 bis Sonntag 1. Juli 2018 - 19:00
Sonderausstellung. Mit Stefan à Wengen, Franz Eggenschwiler, Anton Egloff, Hamed Rashtian, Katharina Swoboda, Tatsuma Takeda, Till Velten, Andreas Weber u.a. Präsentiert von L21
Beschreibung: 

Das Mehrjahresprojekt «L21» der Kunsthalle Luzern bezweckt die künstlerische Befragung des Luzerner Löwendenkmals. Dieses vermutlich meistbesuchte Monument der Schweiz besteht aus einem in die Wand eines ehemaligen Sandsteinbruches gemeisselten sterbenden Löwen, umgeben von einem idyllischen kleinen Park. Der Entwurf des Löwen stammt vom damals weltberühmten dänischen Bildhauers Bertel Thorvaldsen. Das Denkmal wurde vom Luzerner Patrizier Carl Pfyffer von Altishofen zu Ehren seiner Offizierskameraden der Schweizergarde, die am 10. August 1792 – auf dem Kulminationspunkt der Französischen Revolution – bei der Verteidigung des königlichen Tuilerienpalastes in Paris gefallen waren, errichtet.

Als erste einer Reihe von Veranstaltungen lädt «L21» in die Kunsthalle Luzern zu einer «Löwen Safari». Die von Peter Fischer, freier Kurator und Projektleiter von L21, zusammengestellte Ausstellung macht sich auf die Fährte des Löwen. Heute geht es bei den Safaris nicht mehr so sehr darum, das Grosswild zu erlegen, sondern es zu beobachten. So auch bei der L21-«Löwen Safari». Sie interessiert sich besonders für die symbolische Bedeutung des Löwen in verschiedenen Zeiten und Kulturen. Sie gibt aber auch einen Vorgeschmack, eine Art Vorschau auf kommende Projekte von «L21» und thematisiert schliesslich den Löwen in ganz unterschiedlichen Aspekten: etwa im Zusammenhang mit der der bildlichen Überlieferung des Motivs des Löwen in der Kunst, aber auch aus der Sicht von der Zoologie bis zur Anthroposophie.

Die Ausstellung vereint Werke sowohl von internationalen wie von Luzerner Künstlerinnen und Künstlern unterschiedlicher Generationen. Die Mehrzahl davon ist in Zusammenarbeit mit dem Projekt L21 entstanden, einige davon sind erste Manifestationen von Works-in-progress, die in den nächsten vier Jahren fortgesetzt werden. Die Ausstellung wird von einem permanent präsenten Symposium, konzipiert von Till Velten, sowie weiteren Veranstaltungen wie Künstlergesprächen, Performances oder Lesungen begleitet.

Kuratiert von Peter Fischer
Mit: Stefan à Wengen, Franz Eggenschwiler, Anton Egloff, Hamed Rashtian, Katharina Swoboda, Tatsuma Takeda, Till Velten, Andreas Weber u.a.

Freier Eintritt

 

Veranstalter: 
Kunsthalle Luzern
Kategorie: 
Verknüpfte Veranstaltungen: 
Löwen Safari
Da liegt ein Löwe unterm Pflaumenbaum! Von Animismus – oder: Was verbindet uns mit den Tieren?
Warum malt man einen Löwen?
Ist der Löwe eigentlich Kitsch? Das vervielfältigte Wahrzeichen: Souvenirs, Massentourismus und Geschichte
Nur online: 
Nein
05 Mai 2018 bis 31 Mai 2018
Samstag 5. Mai 2018 - 17:00 bis Donnerstag 31. Mai 2018 - 17:00
«Dialog #1». Doppelausstellung. Plastiken, Bilder
Beschreibung: 

Štěpán Čapek

Štěpán Čapek arbeitet insbesondere mit den klassischen Techniken der Bildhauerei, wie modelieren, formen und giessen. Trotz seiner klassischen Ausbildung und dem erlernten Handwerk ist er nicht von modernen Techniken abgeneigt. Er experimentiert gerne mit neuen Materialien bei der Herstellung seiner Plastiken. Der Schwerpunkt seiner heutigen Tätigkeit ist die figurale Bildhauerei.Während seines Studiums beschäftigte er sich hauptsächlich dem Thema Haare und Frisur. Er ist fasziniert und inspiriert von Zöpfen, Dutts und verschiedenster Haarstrukturen, verschiedenster Epochen und Kulturen. In seinen Plastiken versucht er sie zu reflektieren und seinen Sinn für strukturelles Formgefühl in diesen widerzuspiegeln. Erotik und Dominanz spielen für den Künstler hierbei eine grosse Rolle. Stepan Capek betrachtet die Frisuren und stellt Vergleiche mit Frisuren auf, wie mit, zum Beispiel, der dominanten Frisur von der ukrainischen Politikerin Julia Timoschenko.
 
Jakub Tytykalo
Meine Inspiration stammt zum Teil aus der Kunstgeschichte, nämlich dem tschechischen Surrealismus und der Symbolik, in der ich eine Kombination aus modernen Formen und spirituellen Inhalten und Hintergründen finde. Moderne Kunstwerke, Körper, Gesichter und surreale Räume, durch staubiges Glas gesehen, verformt und neu definiert. Ein anderes Hauptthema ist eine Kunstwelt selbst in ihrer physischen und mentalen Erscheinung, Beziehungen und Struktur. Ich benutze oft imaginären Galerieraum als eine Szene für meine Bilder für seine Ambiguität, als einen Ort, wo alles möglich ist.
Obwohl es hinter jedem Stück eine Geschichte oder zumindest eine Skizze davon gibt, möchte ich das Thema eher unklar belassen und den Betrachter die Wahrnehmung mit persönlichen Assoziationen vervollständigen lassen.

Kategorie: 
Verknüpfte Veranstaltungen: 
Stepan Capek & Jakub Tytykalo
Nur online: 
Nein
05 Mai 2018 - 17:00
Samstag 5. Mai 2018 - 17:00
Vernissage. Musik: Elio Amberg (sax) & Christian Zemp (g), Philipp Hutter (electr, tp)
Beschreibung: 

Štěpán Čapek

Štěpán Čapek arbeitet insbesondere mit den klassischen Techniken der Bildhauerei, wie modelieren, formen und giessen. Trotz seiner klassischen Ausbildung und dem erlernten Handwerk ist er nicht von modernen Techniken abgeneigt. Er experimentiert gerne mit neuen Materialien bei der Herstellung seiner Plastiken. Der Schwerpunkt seiner heutigen Tätigkeit ist die figurale Bildhauerei.Während seines Studiums beschäftigte er sich hauptsächlich dem Thema Haare und Frisur. Er ist fasziniert und inspiriert von Zöpfen, Dutts und verschiedenster Haarstrukturen, verschiedenster Epochen und Kulturen. In seinen Plastiken versucht er sie zu reflektieren und seinen Sinn für strukturelles Formgefühl in diesen widerzuspiegeln. Erotik und Dominanz spielen für den Künstler hierbei eine grosse Rolle. Stepan Capek betrachtet die Frisuren und stellt Vergleiche mit Frisuren auf, wie mit, zum Beispiel, der dominanten Frisur von der ukrainischen Politikerin Julia Timoschenko.
 
Jakub Tytykalo
Meine Inspiration stammt zum Teil aus der Kunstgeschichte, nämlich dem tschechischen Surrealismus und der Symbolik, in der ich eine Kombination aus modernen Formen und spirituellen Inhalten und Hintergründen finde. Moderne Kunstwerke, Körper, Gesichter und surreale Räume, durch staubiges Glas gesehen, verformt und neu definiert. Ein anderes Hauptthema ist eine Kunstwelt selbst in ihrer physischen und mentalen Erscheinung, Beziehungen und Struktur. Ich benutze oft imaginären Galerieraum als eine Szene für meine Bilder für seine Ambiguität, als einen Ort, wo alles möglich ist.
Obwohl es hinter jedem Stück eine Geschichte oder zumindest eine Skizze davon gibt, möchte ich das Thema eher unklar belassen und den Betrachter die Wahrnehmung mit persönlichen Assoziationen vervollständigen lassen.

Kategorie: 
Nur online: 
Nein
13 Apr 2018 bis 21 Okt 2018
Freitag 13. April 2018 - 14:00 bis Sonntag 21. Oktober 2018 - 17:00
Sonderausstellung. Jeden DO, 18 Uhr: Öffentliche Vortragsreihe
Beschreibung: 

BodenSchätzeWerte: Die Sonderausstellung zu unserem Umgang mit Rohstoffen
Die Verfügbarkeit nicht erneuerbarer mineralischer Rohstoffe scheint selbstverständlich, und der weltweite Verbrauch nimmt stetig zu.
Die Ausstellung «BodenSchätzeWerte» informiert über Entstehung, Abbau und Nutzung solcher Rohstoffe. Was können wir tun, damit Rohstoffe wirtschaftlich, umweltfreundlich und sozialverträglich gewonnen und so effizient wie möglich genutzt werden können?
12. April bis 21. Oktober 2018
Museum für Urgeschichte(n) Zug, Hofstrasse 15, 6300 Zug.

Dienstag bis Sonntag 14.00–17.00 Uhr; Schulen und Gruppen auf Anmeldung.
Öffentliche Vortragsreihe jeweils donnerstags 18.00-19.30 Uhr.
Veranstalterin: HSR Hochschule für Technik Rapperswil, Institut WERZ, Zug.

bodenschaetzewerte.ch

Veranstalter: 
HSR Hochschule für Technik Rapperswil, WERZ Institut für Wissen, Energie und Rohstoffe Zug
Kategorie: 
Verknüpfte Veranstaltungen: 
Boden: Funktion, Nutzung und Limiten
Nur online: 
Nein